Parte 5.- Abstracción Lírica

Como ya vimos en apuntes anteriores si el Cubismo y el Futurismo dieron lugar a la Abstracción Geométrica, de la mano de Malevich y Mondrian, será en el Fovismo y en el Expresionismo donde se encuentre la semilla de la Abstracción Lírica que Vasily Kandinsky y Paul Klee hicieron germinar.

La abstracción lírica es una tendencia contraria a la abstracción geométrica que enfatiza la expresividad de los colores, las formas y la materia, sin mostrar referencias directas de la realidad y con el fin de provocar emociones en el espectador. La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte al quedarse exclusivamente con el concepto y la belleza. La obra de arte debe ser bella por sí misma, el cuadro como objeto bello. Era un concepto totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento.

“No se puede examinar o analizar el cuadro, o la estatua, sirviéndose de ese “lenguaje crítico” propio del arte de ayer, pero que se adapta mal al de hoy” (Gillo Dorfles, “Ültimas tendencias del arte de hoy”, Edit. Labor, 1965)

 

 

De izquierda a derecha: Vasily Kandinsky y Paul Klee

Cronológicamente, Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904 y 1905, como el primer pintor abstracto, pero generalmente se acepta que la Abstracción Lírica “comienza” con la primera acuarela abstracta que  Kandinsky pinta sin título en 1913 pero que adelanta su fecha datándola en 1910 según Volkmar Esser, autor de “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Taschen 2000, obra que se conoce mundialmente como “Primera Acuarela Abstracta”.

 

 

Vasili Kandinsky (1886-1944).- “Primera Acuarela Abstracta”.- 1910

 

En 1911 Kandinsky escribe, y publica en 1912, su obra teórica “De lo espiritual en el arte” donde relaciona principios de la música y de la pintura, especialmente conceptos del ritmo.

“Aunque en el dominio superespecializado del arte contemporáneo debe denominarse abstractas solamente las obras carentes de figuración el hecho es que el término abstracción tiene  una acepción bastante más amplia incluyendo en ella lo que en la pintura del presente se denomina semiabstracción”. Juan-Eduardo Cirlot, “El espíritu abstracto”, Edit. Labor, 1965. De modo que la abstracción lírica se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias. Por ello bajo ella se cobijan tanto el Informalismo europeo como el Expresionismo  Abstracto norteamericano, que teniendo importantes similitudes también tienen grandes diferencias como veremos más adelante

 

INFORMALISMO

Informalismo es la pintura capaz de mostrarse completamente ajena a cualquier forma de significado, sustentándose tan sólo en la identidad material de sus elementos plásticos.

El adjetivo “informal” fue utilizado por primera vez por  el pintor Georges Mathieu en la mitad del siglo XX. Poco después en 1951 el crítico Michel Tapié lo redefinió como “Art Informel” y también como “Art Autre” (Otro Arte) utilizándolo  en un sentido  amplio para referirse a la pintura practicada entre la figuración apenas insinuada y lo estrictamente no-figurativo. De este modo el Informalismo se convierte en la denominación para las tendencias dominantes en la Segunda Vanguardia en Europa desde la II Guerra Mundial hasta avanzada la década de los sesenta, imponiéndose como un verdadero “estilo” europeo

“Informalismo” es un término ambiguo que sirve para designar obras de aspectos muy diversos agrupadas en distintas tendencias pero que todas tienen en común el lenguaje   no figurativo (es decir abstracto) y no geométrico (es decir abstracto lírico) llegando a veces a la abstracción pura. Estas tendencias son principalmente el Informalismo  Matérico, el Informalismo Gestual, el Tachismo y el Espacialismo, a las que habría que añadir la quinta tendencia, informalista pero no propiamente abstracta, con insinuaciones figurativas, el Art Brut o Arte Marginal.

 

TACHISMO

Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954. Esta tendencia muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se centra en la difusión de la mancha de color.

La invención del término “tachisme” (del francés “tache”, es decir “mancha”) se le atribuye al crítico Pierre Guéguen (1951) pero se popularizó por el artículo del médico y escritor Charles Estienne publicado en 1954 para referirse a la obra expuesta en el Salón de Octubre. Por tanto traducido propiamente al castellano el término “tachisme” debería conocerse como “Manchismo” en lugar de Tachismo o Tachonismo como se le conoce.

Los principales representantes de esta tendencia fueron Alfred Otto Wolfgang Schulse, más conocido por Wols, George Mathieu,  Hans Hartung, Nicolás de Staël y Pierre Soulages.

 

 

De izquierda a derecha: Wols, Mathieu y Hartung

 

 

De izquierda a derecha: Pierre Soulages y Nicolás de Staël.

 

INFORMALISMO GESTUAL

Esta tendencia del Informalismo se caracteriza por la planitud de la obra, no hay sombras, ni contrastes ni volúmenes, renunciando por completo a cualquier tipo de mímesis figurativa. Sólo pintura extendida sobre el lienzo, resaltando el valor de la pincelada, la mancha, como testimonio de la intervención consciente del artista que expresa las vivencias gestuales del propio acto pictórico. Es decir sin más proyecto previo que el desarrollado por el instinto del pintor en el proceso de ejecución.

Los más conocidos pintores que practicaron esta tendencia fueron Henri Michaux, Jean-Paul Riopelle, Antonio Saura Atarés, Emilio Vedova, José Viola Gamón conocido como Manuel Viola y Albert Ráfols Casamada.

 

 

Arriba de izquierda a derecha: Riopelle, Michaux y Saura.

Abajo de izquierda a derecha: Viola, Vedova y Casamada.

 

INFORMALISMO MATÉRICO

El informalismo Matérico se caracteriza por el uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados y grandes empastes que viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales ajenos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera, papel, cuerdas, trapos y la arena. Se suele señalar a Jean Fautrier como el iniciador del Informalismo en Europa que efectivamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas a través de distintas capas de pintura espesadas y el grattage. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos matéricos de sus cuadros.

Entre los pintores del Informalismo Matérico podemos destacar  Jean Fautrier, Alberto Burri, Antoni Tàpies i Puig, Manolo Millares Sall y Modest Cuixart i Tàpies.

 

 

De izquierda a derecha: Jean Fautrier, Alberto Burri y Antoni Tàpies.

 

 

De izquierda a derecha: Manolo Millares y Modest Cuixart.

 

ESPACIALISMO

El Espacialismo o Movimiento Espacial fue fundado por Lucio Fontana en Milán entre 1947 y 1952. Fue en la Galleria del Naviglio (Milán) donde se organizó en 1949 la exposición fundadora del Espacialismo con obras de Fontana. En 1952 en la misma galería se celebró la exposición Arte Espacial con Fontana, incluyendo obras de Giancarlo Carozzi, Roberto Crippa, Gianni Dova, Mario de Luigi, Bienamino Joppolo y Cesare Peverelli.

El Espacialismo se reconoce por la utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras.

 

 

De izquierda a derecha: Lucio Fontana y Roberto Crippa.

 

ART BRUT Y EL GRUPO COBRA

“El  Art Brut no es ni grupo ni movimiento, sino una definición creada por Jean Dubuffet para designar y valorizar las obras de los “singulares del arte”, de quienes se sitúan fuera de las instituciones culturales y de los ambientes artísticos”. Marisa Vescovo, “Abstracción” Edit. Planeta, 1998. De esta forma tan elegante describe Vescovo la obra de  arte recogida por Dubuffet en hospitales psiquiátricos  de Suiza y que presenta en 1947 y 1949 en la Galería René Drouin de París.

Dubuffet, y también Adolf  Wölfli, realizó obras ricas en textura y materia, que por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se expresan los niños, solitarios, inadaptados, ancianos, delincuentes, visionarios, médiums,  los locos o los aficionados,  denominó “Art Brut” (arte tosco, arte en bruto) para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales. Por ello a este arte se le llamó también Arte Marginal, denominación debida al crítico Roger Cardinal que extendió la acepción del término a  los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica  ni hubiesen recibido formación académica.

 

 

De izquierda a derecha: Dubuffet y Wölfli

 

En 1948 se funda en París un movimiento artístico, que sólo duró tres años, que de manera similar a Jean Dubuffet, veía en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de la historia del arte. Este grupo recibió el nombre de CoBrA, acrónimo resultante de los nombres de las capitales de los países de procedencia de sus miembros. (Copenhague, Bruselas, Ámsterdam). Los miembros más destacados del grupo fueron Asger Jorn,  Karel Appel, Guillaume Cornelis van Beverloo, mejor conocido como “Corneille” y Pierre Alechinsky.

 

 

Arriba de izquierda a derecha: Asger Jorn y Appel

Abajo de izquierda a derecha: Corneille y Alechinsky

 

EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO

“Desde el descubrimiento de América, todo lo que en este continente estaba destinado a satisfacer las necesidades superiores del hombre-y, por supuesto, también el arte- tenía que importarse de Europa. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la situación había cambiado por completo.” Christa von Lengerke, “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Tashen, 2000. La II Guerra Mundial, que arrasó Europa, supuso el fin del predominio europeo en el arte, que se desplazó a Norteamérica, lo que supuso la dispersión de sus artistas, mayormente hacia Nueva York, aunque  Picasso, Miró, Braque o Matisse siguieron trabajando en Francia e influyendo en las nuevas generaciones. Nueva York conservará hasta nuestros días su posición como centro internacional del Arte. Desde 1945 y durante los veinte años siguientes vendría de allí las novedades más espectaculares y los impulsos renovadores de las artes plásticas. El Museum of Modern Art de N. Y. y el Guggenheim Museum se convirtieron en instituciones culturales muy influyentes.

Al margen de la evolución nacional, el origen de la llamada Escuela de Nueva York está estrechamente relacionado con los emigrantes europeos. Con el fin de la II Guerra Mundial y el regreso a Europa de gran parte de los artistas europeos comienza un movimiento genuinamente americano. Con Expresionismo Abstracto se define a la agrupación de una quincena de artistas  que coincidieron en los años cuarenta en Nueva York. Fue Robert Motherwell en 1950 quien etiquetó al grupo como Escuela de Nueva York. Este primer grupo de pintores alcanzó la consagración con exposiciones individuales entre 1943 1946 en las Galerías de Peggy Guggenhein y de Betty Parson.

El término Expresionismo Abstracto fue utilizado  por primera vez en 1929 por Alfred H. Barr Jr., primer director del MOMA de N.Y., para referirse a las “Improvisaciones” de Kansdinsky. Pero a inicios de los años cincuenta la gestualidad de las obras hizo al crítico Robert Coates recuperar el apelativo de “Abstract Expresionism” (Expresionismo Abstracto), aunque el primer teórico fue Clement Greenberg que propuso el término de “Painterly Abstraction” (Abstracción Pictórica)  y el crítico Harol Rosenberg que sugirió en 1951 el de “Action Paintig” (Pintura de Acción), que finalmente sólo se aplicó a una tendencia específica dentro del Expresionismo Abstracto. Además surgieron otras tendencias como el “Simbolismo Abstracto” y el “Color-Fields Painting” (Pintura de campos de color)

 

ACTION PAINTING

El término Action Painting lo acuñó Harold Rosenberg, en Nueva York, el año 1952. Se puede considerar a  esta pintura como un acto de pura  existencia, de libre intencionalidad a través de la materia y el gesto, con pinceladas violentas en capas espesas que dejan partes del lienzo sin pintar. La técnica se ejecuta también por medio del dripping (goteando)  pouring (chorreando)  all-over (repitiendo por todo el lienzo) etc. liberándose así de las escuelas europeas. Es una pintura de acción, enérgica y emotiva según Rosenberg. No es una tendencia con un  programa sino el resultado de una suma de individualidades.

Los pintores más representativos de esta tendencia fueron: Hans Hofman, considerado el decano del Expresionismo Abstracto, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Sam Francis y Philip Guston.

 

 

Arriba de izquierda a derecha: Hofman, Pollock y De Kooning.

Abajo de izquierda a derecha:Kline, Francis y Guston. 

 

SIMBOLISMO ABSTRACTO

Al mismo tiempo que el Action Painting, se desarrolló en Nueva York una corriente expresionista más próxima al surrealismo simbólico y abstracto de Miró, Arp y Matta. Es una pintura muy intelectual orientada al Simbolismo Abstracto, entre el Action Painting y el Color-fields Painting. Es una corriente minoritaria dentro del Expresionismo Abstracto, intermedia entre la pintura gestual y violenta del Action Painting  y la de las zonas de delicados cromatismos de los campos de color, La personalidad más representativa es Arshile Gorky, seguido por Williams Baziotes, Adolf Gottlieb y Mark Tobey.

 

 

Arriba de izquierda a derecha: Gorky y Baziotes.

Abajo de izquierda a derecha: Gottlieb y Tobey. 

 

COLOR-FIELDS PAINTING

Otra tendencia es la pintura por campos coloreados o campos de color, de amplias superficies cromáticas, más meditada, de contenido más transcendental, de diálogo espiritual entre la obra y el espectador. Surgió como reacción a la expresividad del Action painting. Esta denominación fue empleada por el crítico Clement  Greenberg en 1962. La intensidad del color depende de su extensión y los cuadros comprenden no más de dos o tres colores, siguiendo el criterio de Gauguin que afirmaba que “En un metro de verde se expresa más que en un centímetro de verde” (Inmaculada Julián, “Expresionismo Abstracto”, Arlanza Ediciones. 2000) reafirmado por Henri Matisse, para quien “Un metro cuadrado de azul es más azul que un centímetro cuadrado de azul” (Marisa Vescovo, “Abstracción”, Edit. Planeta. 2000)

En esta segunda tendencia destacaron  Mark Rothko, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Clifford Still, Barnett Newman y Kenneth Noland.

 

 

Arriba de izquierda a derecha: Rothko, Reinhardt y Motherwell

Abajo de izquierda a derecha: Still,  Newman y Noland. 

 

CUADRO SINÓPTICO

 

TACHISMO

 

Alfred Otto Wolfgang Schulse, “Wols”.- (1913-1951).- “El barco ebrio”.- 1945

 

 

Georges Mathieu.- (1921-2012).- “Festival en Norwich”.- 1957

 

 

Hans Hartung.- (1904-1989).- “Sin título”.- 1948

 

 

Pierre Soulages.- (1919).- “Pintura”.- 1953

 

 

Nicolás de Stäel.- (1914-1955).- “Composición”.- 1947 

 

INFORMALISMO GESTUAL

 

Jean-Paul Riopelle.- (1923-2002).- “Sin título”.-1951

 

 

Henri Michaux.- (1899-1984).- “Sin título”.- 1948

 

 

Antonio Saura Atarés.- (1930-1988).-“Rostro”.-1959

 

 

José Viola Gamón “Manuel Viola”.- (1916-1987).-“La Saeta”.-1958

 

 

Emilio Vedova.- (1919-2006).-“Choque de situaciones”.-1951

 

 

Albert Ráfols Casamada.- (1923-2009).- “Sin título”.- 1960 

 

INFORMALISMO MATERICO

 

Jean Fautrier.- (1898-1964).-“Otage nº 3”.-1945

 

 

Alberto Burri.- (1915-1995).- “Sacco 5”.- 1953

 

 

Antoni Tàpies i Puig.- (1923-2012).- “Blanco con manchas rojas”.-1954

 

 

Manuel Millares Sall, “Manolo Millares”.- (1926-1972).-“Homúnculo”.-1960

 

 

Modest Cuixart i Tàpies.- (1925-2007).- “Sin título”.- 1959

 

ESPACIALISMO

 

Lucio Fontana.- (1899-1968).- “Concepto espacial”.- 1959

 

 

Roberto Crippa.- 1921-1972).- “Testa alla finestra”.-1961

 

ART BRUT Y GRUPO COBRA 

 

Jean Philippe Arthur Dubuffet.- (1901-1985).- “Marejada de lo virtual”.- 1963

 

 

Adolf Wölfli.- (1864-1930).- “Catedral”

 

 

Asger Jorn.- (1914-1973).- “La Fiesta de San Juan II”.- 1952

 

 

Karel Appel.- (1921-2006).- “Composición abstracta”.- 1958

 

 

Guillaume Cornelis van Beverloo “Corneille”.- (1922-2010).- “Verano””.- 1948

 

 

Pierre Alechinsky.- (1927).- “La parole aux enfants”.- 1961 

 

ACTION PAINTING

 

Hans Hofman.- (1880-1966).- “Exuberance”.- 1955

 

 

Paul Jackson Pollock.- (1912-1956).- “The Key”.- 1946

 

 

Willem de Kooning.- (1904-1997).- “Gotham News”.- 1955

 

 

Franz Kline.- (1910-1962).- “Transition”.- 1948

 

 

Samuel Lewis Francis.- (1923-1994).-  “Hacia la Desaparición II”.- 1958

 

 

Philip Guston.- (1913-1980).- “Native’s Return”.- 1957

 

SIMBOLISMO ABSTRACTO

 

Vostanik Manoog Adoyan “Arshile Gorky”.- (1904-1948).- “El hígado es la cresta del gallo”.- 1944

 

 

Williams Baziotes.- (1912-1963).- “Cyclops”.-1947

 

 

Adolf Gottlieb.- (1903-1974).- “Mar y marea”.- 1952

 

 

Mark George Tobey.- (1890-1976).- “Sin título”.- 1957

 

COLOR-FIELDS PAINTING 

 

Markus Rothkowitz “Rothko”.- (1903-1970).- “Nº 9”.- 1954

 

 

Adolf  Dietmar Friedrich Reinhardt.- (1913-1967).- “Azul número 88”.-1950

 

 

Robert Motherwell.- (1915-1991).- “Elegía azul”.- 1966

 

 

Clyfford Still.- (1904-1980).- “Sin título”.- 1965

 

 

Barnett Newman.- (1905-1970).- “Adán”.- 1952

 

 

Kenneth  Noland.- (1924-2010).- “Sin título”.- 1959